О звуке простыми словами42Производители Hi-Fi.
Истории и интервью111Репортажи с заводов65Репортажи с Hi-Fi выставок69"Сделай сам"44Готовые проекты Аудиомании42Пресса об Аудиомании50Видео499Фотогалерея100Интересное о звуке806Новости мира Hi-Fi2581Музыкальные и кинообзоры624Глоссарий
Электронная музыка вживую: Как преподносят свои выступления музыканты-электронщики
С изобретением первых аудиозаписей в 19 веке у людей появилась возможность наслаждаться своими любимыми композициями дома. Живые звуки гитары, барабанов и других инструментов – все это стало доступным в домашних условиях.
Но в процессе развития технологий в середине 20 века понятие живой музыки изменилось. Известные продюсеры стали записывать свои альбомы в студиях, а не вживую, как это было раньше. В студийных условиях у музыкантов появилась возможность использовать в записях такие звуки, которые вряд ли бы удалось воспроизвести на живом выступлении.
В результате развития появились новые жанры, идеи и способы подачи музыкального материала слушателю. Электронная музыка перестала быть «чуждой» меломанам, более того, теперь многие ассоциируют именно ее с живым выступлением. Однако за технологическими новшествами «успевают» не все. Кто-то и сейчас, видя музыканта, который «ковыряется» в своем ноутбуке, удивляется: «Чем он там занят? Почту, что ли, проверяет? Или что-то действительно делает с музыкой, которую я слышу?»
Узнать о том, как проходит живое выступление в жанре электронной музыки, проще всего у самих музыкантов-электронщиков. Англичанин Робин «Scanner» Римбауд, француз Ксавье «debruit» Томас, немец Борис «Comfort Fit» Мезга и трио из Нью-Йорка «Archie Pelago» – артисты, которые не только пишут электронную музыку, но и (преимущественно) выступают вживую и называют основной фишкой живого выступления его непредсказуемость – в отличие от обычного DJ-сета, где у музыканта подготовлена определенная последовательность песен.
Во время живого выступления может произойти все, что угодно. Например, аппаратура может подвести или сам артист может допустить ошибку. Или не допустить, а начать импровизировать и создать совершенно другую атмосферу своего выступления.
Вообще, понятия импровизации и электронной музыки неразлучны. Все основные подготовительные процессы происходят в студии, поэтому на выступлении у музыканта нет существенных ограничений для импровизации. Конечно, есть какой-то план, которого они будут стараться придерживаться, но в рамках этого плана – полная свобода. Стоит отметить тот факт, что для живого выступления музыканты готовят отдельный материал. Он существенно отличается от того, что можно услышать на их студийных альбомах.
Чтобы представить себе, как выглядит этот материал, можно взять в качестве примера любой трек – для его создания, как правило, используется большое количество различных инструментов и звуков. Формат живого выступления предполагает, что все эти звуки и инструменты разделяются: музыкант может использовать тот или иной элемент или фрагмент записи независимо от другого, чем и обеспечивается возможность импровизации на сцене.
Инструменты
Помимо подготовленного материала в арсенале каждого музыканта есть эффекты на микшерном пульте, специально заготовленные артистом под определенную песню. Используя их, можно, к примеру, убрать какие-нибудь частоты или добавить шум. Не стоит забывать и про инструменты – сэмплеры, контроллеры и бесчисленное множество других. С помощью них можно совершенно изменить проигрываемый трек.
Вариаций инструментов в современном мире очень много. Все они выглядят по-разному, выполняют различные функции и ко всем нужен свой особенный подход. У одних инструментов очень много кнопок, у других имеются подвижные элементы, а у каких-то нет ни того, ни другого. Ярким примером последнего является инструмент, разработанный в 2003 году выпускниками университета Помпеу Фабра – Reactable. Он представляет собой большой круглый стол с подсвеченной снизу сенсорной поверхностью.
На столе могут располагаться различные фигуры и, меняя их положение, можно изменять исходящий сигнал. За счет того, что поверхность стола достаточно большая, на этом инструменте одновременно могут играть сразу несколько человек. Также разработчики утверждают, что научиться играть на нем не составит большого труда. Методом проб и ошибок можно понять, как все работает, и за что отвечают все блоки. Reactable – это обычный синтезатор с необычным дизайном.
Особую популярность инструмент обрел после того, как его заметила исландская певица Бьорк. Она решила использовать его в своих выступлениях, и в 2007 году на фестивале Коачелла, где она выступала в рамках своего тура в поддержку вышедшего незадолго до этого альбома, инструмент был представлен широкой публике.
Помимо самого стола инструмент использует специальные блоки. Всего их шесть видов, и все они разных форм и размеров. Каждый отвечает за определенные функции. Исходящий звук будет зависеть от того, как эти блоки будут располагаться на столе. Поменяв их расположение, можно, например, изменить частоту сигнала или степень использования фильтров.
Под поверхностью стола находится компьютер со специально разработанным ПО (reacTIVision), который выполняет все вычислительные операции для работы инструмента. Посмотреть и послушать этот инструмент в работе можно здесь, а почитать о других интересных музыкальных инструментах – на этом портале.
Еще один инструмент, который часто используется музыкантами на выступлениях, – контроллер Ableton, позволяющий «собирать» композицию из набора готовых фрагментов и импровизировать в рамках выступления, и его улучшенная версия – Ableton Push 2.
О нем в своей статье рассказывает музыкант и журналист Питер Кирн. Нельзя сказать, что Ableton Push 2 претерпел незначительные изменения. Внешне он очень напоминает своего старшего брата, но в этой модели разработчики уделили большее внимание деталям. Клавиши пэдов теперь находятся глубже и, соответственно, ход у них тоже изменился. Теперь они реагируют на угол и степень нажатия.
Основная конструкция стала чуть больше в размерах и приобрела значительный вес – это позволяет судить о качестве используемых материалов. Разработчики провели достаточно исследований по анализу использования контроллеров музыкантами, и в результате подобрали подходящее положение для всех клавиш. Контроллер теперь покрывается особым материалом, устойчивым к истиранию и царапинам.
Питер подчеркивает: «От новой модели испытываешь другие впечатления, и, однозначно, играть на нем стало куда приятнее. Все меньше времени теперь можно уделять экрану монитора и больше написанию музыки.
На дисплее контроллера отображается вся необходимая информация, а получить доступ к необходимым папкам можно прямо с самого устройства. Нет нужды поворачиваться к компьютеру и хвататься за мышку. Через кнопку Browser на контроллере можно добраться до любых необходимых файлов и настроек».
Был переработан и сэмплер Simpler. Доступ к нему стал намного удобнее, а новые режимы значительно облегчают процесс работы. В сэмплере остались классические режимы (звук воспроизводится до тех пор, пока не отпустили клавишу), но появились и новые.
При сэмплинге в режиме One-shot звук будет идти до тех пор, пока не закончится файл. А в новом режиме «нарезки» сэмплов (режим Slicing) устройство выделит основные моменты из целого аудиофайла и закрепит каждый за одним из 64 пэдов. В каждом из режимов можно изменять тональность всех сэмплов для достижения необходимого звучания.
Мнение еще одного музыкального эксперта можно послушать в этом видео, где он расскажет и наглядно покажет преимущества нового контроллера от Ableton.
Еще один «рабочий» инструмент музыканта-электронщика, на который хотелось бы обратить внимание – Linnstrument (подробно о нем мы уже рассказывали в одном из наших материалов). Этот инструмент разрабатывает «отец-основатель» всех современных контроллеров Роджер Линн. Именно под его руководством вышли такие легендарные драм-машины, как MPC60 и MPC3000. Linnstrument представляет собой контроллер с 200 пэдами, каждый из которых в соответствии со степенью нажатия определяет высоту и тембр звука.
На этом инструменте удобно играть двумя руками, а специальные фиксаторы по краям устройства, позволяют закрепить ремень и играть на нем стоя. Главной целью при разработке этого устройства Роджер поставил для себя возвращение музыкальности и мелодичности на электронную сцену.
Бум, вызванный драм-машинами, кардинально изменил представление о музыке, а использование лупов (прием закольцовывания музыкального фрагмента) и сэмплов, по мнению Линна, «совершенно убивает понятие музыки». Роджер надеется, что Linnstrument позволит современной музыке обрести новое звучание, а музыкантам – больше импровизировать и работать с «живым» звуком.
А в этом видео, можно услышать комментарии Рождера о своем изобретении.
Возвращаясь к мнению музыкантов: все они согласны в том, что не стоит зацикливаться на каком-то одном инструменте. С каждым годом число новинок будет увеличиваться, а их возможности – безразмерно расширяться. Scanner’у и Comfort Fit'у в новых инструментах особенно нравится элемент «ненадежности».
Это своего рода залог того, что если вдруг аппаратура подведет, то выступление не нужно будет прекращать, однако придется импровизировать. Но главным для музыкантов остается не технологическая новизна или «навороченность», а банальное удобство работы – на базовом уровне у инструмента как минимум не должно быть никаких задержек передачи сигнала.
Трудности восприятия
Как уже звучало выше, не все понимают, чем занят на выступлении человек, «ковыряющийся» в своем ноутбуке. Видя огромное количество непонятных для себя предметов, зритель пытается сам понять, что происходит на сцене. К сожалению, разобраться в этом самостоятельно редко получается, поэтому возникает своего рода «барьер» между музыкантом и слушателем.
Для всех музыкантов проблема барьера является основной при взаимодействии с публикой. И каждый старается бороться с ней своими способами. Например, Comfort Fit стал разворачивать свои контроллеры лицом к публике. Сделал он это, в первую очередь с целью эргономичности – при долгой игре его руки уставали, но изменение расположения аппаратуры решило эту проблему. И, чудесным образом, подобное расположение контроллеров стало больше привлекать людей – они видели, что делал музыкант, и начали тянуться к сцене.
«Подобные действия действительно помогают людям понять, как все происходит. Если я перестаю играть, то и музыка перестает звучать»
– Comfort Fit
«Я всегда стараюсь как-то выйти к людям из-за своего стола. Не обязательно прыгать или как-нибудь ещё привлекать внимание. Достаточно просто показать, что я человек, а не какой-нибудь робот».
– Scanner
Debruit подошел к этой проблеме ещё более радикально. Основным барьером на сцене всегда считался ноутбук. Музыкант постоянно смотрит в него, а часть зрителей видит только краешек головы артиста. Так вот, Ксавье исключил именно этот элемент (фигурально).
Экран его ноутбука выключен, поэтому музыкант и не отвлекается на него. Сам Ксавье никогда не думал, что ему удастся выучить наизусть свои песни, потому что количество информации в каждом треке было колоссальным. Сейчас музыкант ориентируется по цвету пэдов на своем контроллере.
«Но, в первую очередь, главную роль играет музыка, а не ее подача. Слушатель должен быть погружен в нее и понимать особенности живого выступления»
– Debruit
Казалось бы, раз на сцене столько всего непонятного и интересного, так почему бы не показывать зрителю то, что видит музыкант. А именно – экран его ноутбука, ведь именно туда артист (если не брать в расчет Debruit) смотрит большую часть всего выступления.
Однако на такое решение этой проблемы музыканты реагируют без особого одобрения. Все сходятся в одном – для использования подобного визуального элемента необходима подходящая атмосфера и обстановка.
Трио Archie Pelago демонстрировало свой экран на лекциях в университете, где артисты рассказывали про теорию написания электронной музыки. В этой ситуации демонстрация экрана оказывается как нельзя кстати. В остальных случаях люди будут думать совершенно о другом, пытаясь сконцентрироваться на демонстрации экрана. И самое главное, они перестанут наслаждаться музыкой.
«Для людей, не знакомых с программой, в которой написана музыка, процесс может показаться довольно-таки странным. Они начнут выяснять, что и как работает, но в итоге скорее запутаются, не понимая логики происходящего»
– Archie Dan
Как ни странно, самым эффективным решением разрушения барьера между музыкантом и аудиторией артисты называют простой диалог. Все музыканты, так или иначе, стараются общаться с публикой, как-то взаимодействовать с ней.
Помимо небольших перекличек во время выступления часть музыкантов поддерживает общение и после вечеринки или на специально отведенных для этого встречах, где люди могут задать интересующие их вопросы. Такая связь выгодна всем – музыкант понимает, чего не хватает поклонникам и как лучше подавать тот или иной материал, а слушатель просвещается и узнает что-то новое для себя.
«Слушателю, как мне кажется, важно понимать, что он в итоге получит. Когда ты заплатил деньги, ожидая получить одно, а получаешь нечто другое, возникает ситуация не из лучших. На мой взгляд, чем полнее осведомлен слушатель [об особенностях электронной музыки], тем более комфортно он будет себя чувствовать [на концерте]»
– Archie Greg
