10 лучших песен на двух аккордах

Как говорится, рок-н-ролл основан на трёх аккордах и правде. До того, как пришли прогеры и начали играть один из самых сложных видов рока, известных человеку, такие артисты, как Чак Берри, создавали гениальные песни, используя всего три блюзовых аккорда, чтобы рассказать целую историю. Такие исполнители, как The Beatles и Nirvana пошли дальше — они начали делать песни, используя два аккорда. А иногда эти аккорды используются чтобы задержаться на этапе завязки, перед тем как вернуться к основной теме.

---

Основная проблема с написанием таких простых мелодий сводится к очень уж жёстким ограничениям. Поскольку есть только два аккорда, с которыми можно работать, артисты находятся в тесных мелодических рамках, обычно повторяя один аккорд на протяжении всего трека и добавляя второй, чтобы сделать мелодию более разнообразной и насыщенной.

Самые интересные случаи возникают, когда артисты используют аккорды, которые редко встречаются вместе. Вместо того, чтобы полагаться на олдскульную блюзовую структуру, некоторые из этих песен соединяют воедино самые навороченные аккорды, а потом уже артист начинает сочинять мелодию, чтобы заполнить пустоты в композиции.

Поскольку слушателей зачастую не волнует сложность мелодии, на первый план выдвигается текст. Таким образом можно рассказать историю и задать определённое настроение, используя музыкальный минимум. Ни одна из таких мелодий не получит награды за тонкое понимание теории музыки, но некоторые из величайших исполнителей могут заставить людей забыть об окружающем мире с помощью всего двух аккордов.

Whole Lotta Love – Led Zeppelin

При обсуждении мелодической структуры мелодии становится немного сложнее, когда в дело вступают риффы. Хотя лучшие мелодии, как правило, исходят из определенной тональности, рифф может менять тональность несколько раз в зависимости от того, как долго он висит на определенных нотах. Джимми Пейдж всегда был мастером написания классических риффов, и большую часть времени ему был нужен всего один аккорд для успеха.

Whole Lotta Love стал предшественником того, что станет хард-роком, с назойливым риффом, опирающимся исключительно на ре-мажорный аккорд для создания напряжения перед тем, как вернуться к основной теме. В середине мелодии все стихает, а хай-хэт Джона Бонэма возглавляет ритм. Вместо того, чтобы использовать типичные гитарные риффы, средняя часть является одним из самых психоделических отрывков в каталоге Led Zeppelin.

A Horse With No Name – America

Фолк-рок имеет репутацию одного из самых простых жанров рок-н-ролла. Как бы люди ни хотели добавить туда блюграсса, лучшие мелодии фолк-рока — это простые песни, которые каждый может сыграть на гитаре у костра. Когда America делала свои первые шедевры, в композиции A Horse With No Name их аккорды вышли немного нестандартными.

Эти аккорды содержат простое движение от ми-минора к ре-мажорному секстаккорду, что придаёт мелодии воздушность и продвигает ее вперёд на протяжении всей песни. Хотя большая часть песни звучит в ленивом темпе, это идеально сочетается с вокальной линией, включая изысканные гармонии во второй половине припева, которые скользят над фоновым инструментальным сопровождением.

Текст о преодолении каменистой местности также дает слушателю ощущение уставшего путешественника, пересекающего пустыню, никогда не зная, увидит ли он снова уют своего дома. В то время как большинство других рок-акустических композиций могут содержать разнообразные звуковые эффекты для создания настроения, здесь два аккорда могут дать слушателю почувствовать себя на шоссе, где порывистый ветер бьёт ему в лицо.

Break On Through – The Doors

Возникновение группы The Doors — это череда случайностей. Если бы Джим Моррисон решил вернуться в свой дом во Флориде вместо встречи с Рэем Манзареком на пляже в Лос-Анджелесе, рок-сцена 60-х годов выглядела бы совершенно иначе. The Doors собирались покорить умы на Сансет-Стрип, но у них все еще была слабость к блюзу.

Когда они создавали свою первую партию песен, Break On Through была основана на риффе The Paul Butterfield Blues Band, который фиксируется на ноте Ми на большей части своей продолжительности. После того, как они изменили ритм, гитарист Робби Кригер оживил аранжировку, вводя аккорды, прежде чем переходить к припевному риффу, который скользит вокруг как змея, в то время как Моррисон кричит о путешествии на другую сторону сознания.

Хотя вокальная мелодия не требовала особых навыков, она выстрелила за счёт тона голоса Моррисона, который вкладывается в какие-то первородные инстинкты и работает с остальной группой без привязки к точному таймингу. Моррисон может считать себя скорее поэтом, чем певцом, но этот вокальный дебют создал основу для всего его дальнейшего рок-н-ролльного безумия.

Give Peace a Chance – John Lennon

По мере того, как 60-е подходили к концу, Джон Леннон все больше беспокоился о том, чтобы вырваться из раковины The Beatles. Хотя он и остальные участники группы были лучшими друзьями на протяжении большей части своей карьеры, у него были желания, выходящие за рамки того, на что была способна «Великолепная четверка», и он решил создать что-то новое с Йоко Оно. В то время как первоначальные творческие усилия пары были связаны с мирными протестами, у Леннона была одна золотая мелодия в рукаве.

Собрав вместе некоторых из крупнейших борцов за мир того времени, Леннон написал нежный стих Give Peace a Chance, задуманный как простой призыв к мирному окончанию войны во Вьетнаме. Хотя официально песня вышла под авторством Леннон/Маккартни, Джон всегда настаивал на том, что его старый партнер по написанию не имеет к этому никакого отношения, вместо этого отдавая должное Йоко за ее художественное вдохновение.

Хотя единственное видео Леннона, исполняющего трек, было снято во время одной из его акций «В постели за мир», Леннон настаивал на том, чтобы сохранить трек как можно более простым, используя только аккорды ре и ля для движения композиции. Несмотря на то, что The Beatles перешли к более сложным структурам, мелодия Give Peace a Chance так же мощна, столь же сильна, как и любой церковный гимн.

505 – Arctic Monkeys

Прослушивание любой ранней музыки Arctic Monkeys часто ощущается как удар от Майка Тайсона. Когда Алекс Тернер делал свои первые шаги в написании песен, он создавал яркие образы зловещей теневой стороны английской клубной сцены. Но каждая дикая ночь в городе должна закончиться, и 505 - это последнее "ура" перед тем, как группа выдохнется на альбоме Favourite Worst Nightmare.

Хотя до этого The Monkeys записывали более медленные треки, такие как Riot Van, использование органа в этой песне — хорошая смена темпа, поскольку Тернер стонет о том, чтобы вернуться к своей возлюбленной, даже если это займет семь часов езды. Несмотря на то, что это могло бы стать прекрасным медленным завершением записи, то, что люди слышат в начале, — лишь первая часть безумия.

Во второй половине мелодии группа берет те два минорных аккорда, которые играет Тернер, и раздувает их до гигантских размеров, словно предвкушение нарастает по мере того, как Тернер медленно приближается к своей возлюбленной. Живое выступление особенно безумно, так как Тернер обычно поднимается до пронзительного крика к концу, умоляя найти какое-то счастье на этом долгом пути домой. После этой пластинки Monkeys, возможно, пошли в другом направлении, но они никогда не звучали более отчаянно, чем здесь.

Dreams – Fleetwood Mac

Из всех авторов песен Fleetwood Mac Стиви Никс никогда не претендовала на звание самого опытного в музыкальном плане. Вместо того чтобы отталкиваться от аккомпанирующей гитары или фортепьяно, большинство лучших композиций Никс возникали, когда она работала в одиночестве. Хотя у Линдси Бакингема, возможно, были свои собственные шедевры в Rumours, Dreams стала одним из самых успокаивающих моментов на всей пластинке.

Используя мягкий переход между фа и соль, Никс использует фон, чтобы высказать свои мысли в свободной форме, когда она говорит о проблемах, происходящих между ней и Бакингемом. Однако вместо того, чтобы рассердиться и поставить его на место, Никс желает ему мира в этой мелодии, надеясь, что они оба найдут какое-то утешение, когда смогут отдохнуть друг от друга.

Однако эти сильные эмоции требуют, чтобы их прочувствовали, и гитарные росчерки Бакингема создают идеальный фон, звучащий как беспокойный дух, отчаянно пытающийся вырваться на свободу на протяжении всего трека. Вся группа, возможно, получила признание за то, что превратила Dreams в нечто особенное, но ничто не сравнится с автором песни, который откровенно выражает свои чувства.

Born in the USA – Bruce Springsteen

К тому времени, когда Брюс Спрингстин достиг 80-х, он начал чувствовать себя потерянным. Уставший от таких альбомов, как Darkness on the Edge of Town, он принялся за такие альбомы, как Nebraska, где показал много мрачного и личного, к чему, возможно, не все были готовы. Некоторые более поверхностные поклонники Спрингстина хотели избежать такой откровенности, но лучший способ завоевать публику — это добавить немного мёда.

Не позволяйте названию обмануть вас. Born in the USA — это вовсе не про слепой патриотизм. Используя монотонный рифф синтезатора в качестве аккомпанемента, Спрингстин чувствует противоречия, потерянность и неуверенность в себе, играя роль ветерана Вьетнама, который не получил никакой помощи во время войны, а затем страна плюнула на него, когда он вернулся домой.

Спрингстин пытается поставить Америку на место, взывая к некоторым гражданам, которые слишком невежественны, чтобы заботиться о своих ближних, и пытаясь утешить тех, кто пытается зарабатывать на жизнь честным трудом.

Heroin – The Velvet Underground

The Velvet Underground были, безусловно, лучшей и худшей группой 1960-х годов. В то время, как The Beatles возможно познакомили мир с психоделией, а Sunset Strip стал утопией, эти переселенцы из Нью-Йорка писали грязные истории о жизни на улице, от бондажа в Venus in Furs до ожидания наркодилеров в I’m Waiting for the Man. Но максимально открытым Лу Рид был в песне Heroin.

Пока мелодия песни плетется между двумя аккордами, сила Рида становится видна в аранжировке композиции. Поскольку тексты рассказывают о человеке, пишущем оду о наркотиках, остальные участники группы имитируют звук состояния наркотического опьянения. Хотя аккорды не уходят далеко, интенсивность продолжает нарастать, пока не падает снова, когда голос персонажа успокаивается.

Несмотря на то, что рок-звезды привыкли петь о тёмной стороне жизни, в то время это ещё не было принято. Такой подход доставлял людям тот же дискомфорт и блаженство, что и героиновый приход. "Вельветы" никогда не утверждали, что они абстиненты во время своего существования, но описание наркотиков в Ридовой песне предоставляет достоверный опыт приёма наркотиков, не трогая ваши вены.

Something in the Way – Nirvana

Как и большинство представителей поколения X, Курт Кобейн чувствовал себя потерянным. Даже когда он стал одной из величайших культурных икон своего поколения, Кобейну не начала нравиться идея славы. У него остались те же внутренние проблемы, что и были, когда он жил на захудалых улицах Сиэтла. Никто не знал, насколько серьезны были борьба и страдания Кобейна, но Something in the Way может быть наиболее откровенным, что поклонники услышали о его состоянии духа.

Будучи полностью отстраненным от всего остального на Nevermind, Кобейн хотел, чтобы песня казалась более мягкой, записывая свой вокал и гитарную партию, сидя на диване, без каких-либо фоновых звуков. Даже когда они добавили барабаны для окончательной версии, Дэйв Грол был инструктирован играть тихо, чтобы не нарушить нежную композицию, лежащую в основе мелодии. В то время как гитара довольно расстроена, мягкое скольжение между двумя разными аккордами заключало в себе то, что чувствовала большая часть поколения X. Кобейн, возможно, не стремился стать голосом своего поколения, но где-то в промежутке между щелями Something in the Way лежат свежие раны юности, которые никогда не заживут полностью.

Eleanor Rigby – The Beatles

К середине 60-х годов The Beatles только начинали использовать студию как свою маленькую игровую площадку. Освободившись от концертных гастролей, «Великолепная четверка» получила полную свободу действий в студии Abbey Road Studios, до тех пор, пока это соответствовало эстетике группы. В то время как Джон Леннон, возможно, пытался расширить свой кругозор в Tomorrow Never Knows, Пол Маккартни хотел мечтать о большем, чем рок-н-ролл, в Eleanor Rigby.

Несмотря на то, что Маккартни написал песню, это одна из первых песен The Beatles, в которой нет инструментов группы. Вместо этого аккомпанемент исполняется струнным квартетом, а их вокал парит над всем. Рассказывая историю одинокой работницы церкви и священника, который возглавляет ее похороны, минорный тон, выбранный Маккартни, пропитан меланхолией, особенно в припеве, когда метафорическая камера панорамно выезжает, чтобы увидеть всех других одиноких людей в мире.

Хотя отрывок Where do they all come from имеет медленную нисходящую линию, которая изменяет функцию некоторых аккордов, она практически действует как музыкальная эмоция сама по себе. Полная боли от вида всех этих людей, чьи жизни никогда не будут полными в конце дня. Песни The Beatles могли быть о любви и мире, но они также могли переходить в мрачную территорию, не упуская при этом ни одной ноты.